CINCO es una película, o mejor dicho cinco. ¿Porqué? Porqué se trata de cinco cuentos de autores nuevos contados por cinco directores argentinos, que acaba de tener su paso (con aplausos) por el último festival internacional de cine, BAFICI. En una entrevista exclusiva para El Gran Pez, Andrés Sala, uno de los directores de este film, nos cuenta como surgió la idea de esta realización, cuál es la temática que abordan todos ellos y de qué se trata el cuento elegido por él.
Sebastián Muro es un cineasta graduado de la Universidad de Cine y con solo 23 años está incursionando en el mundo de la pantalla grande. En esta entrevista exclusiva, cuenta su breve pero intensa experiencia en su campo laboral.
La vida de una gran película comienza mucho antes de la filmación. Empieza con una idea; una idea que necesita un largo camino para transformarse en un proyecto tangible. Una parte importante de esa senda que todo film debe transitar es la selección de los actores.
El casting es la tenua frontera que divide los grandes éxitos de los rotundos fracasos. No existe ni existirá nunca un clásico del cine que haya fallado en el proceso de selección; si esto sucede se corre el riesgo de que los personajes sean inverosímiles en pantalla o que la historia se torne difusa, lo que haría naufragar todo el proyecto.
Guido Ferraro es productor de castings en Casting Club, una agencia que se dedica a la selección de actores para películas independientes y publicidades de varios estilos. Desde su esperiencia, nos grafica de la mejor manera cual es la importancia real de todo este mecanismo en el producto final que vemos en pantalla.
Mary and Max, es otra de las perlas que pasó por el Bafici este año. Esta película en stop motion del director australiano Adam Elliot no en vano ha sido candidata al Premio Público en el festival. Es que, aunque parezca una locura, esta película de dibujos animados, (ningún asunto de niños), da para reír, emocionarse, sorprenderse y reflexionar, ya que según se anuncia en los créditos está basada en una historia real.
El film narra la larga amistad por correspondencia entre un hombre cuarentón y obeso, confeso adicto a los chocolates de Nueva York que padece el Síndrome de Asperger, una terrible enfermedad de degradación neurológica que produce autismo (tuve que googlearlo al terminar la película porque no lo conocía), y una niña de 8 años que vive en lo suburbios de Melbourne en completa soledad. Casi todos los males parecen abatirse sobre ellos: él no solo tiene la enfermedad, sino que además es neurótico, obsesivo, cuarentón y virgen. Ella es pequeña, retraída, para nada atractiva, y víctima de los tormentos psíquicos de su madre alcohólica, que como si eso fuera poco, una y otra vez le recuerda que ella no fue más que un accidente. Ambos son muy inteligentes y extremadamente sensibles, por eso perciben sus problemas de un modo más fuerte. Su triste vida combinada por la sordidez de su soledad los derrumba por completo… hasta que se encuentran. Se conocen por carta y mantienen una relación durante más de 30 años.
Las cartas plantean una serie de guiños literarios muy interesantes: hallazgos verbales, juegos de palabras, miles de millones de ingeniosas postdatas e inteligentes analisis, por parte de ella y de él. Sin mencionar que Elliot no descuida ningún detalle en cada uno de los encuadres.
Durante la hora y media que dura el film uno no solo ríe en muchas oportunidades de las ingeniosas ocurrencias de estos extraños personajes, sino que se emociona con ellos y aprende a quererlos como si fueran de carne y hueso gracias al extraordinario realismo que logra concederle el director.
En este link pueden ver el trailer de este peliculón: Mary and Max;
Win Wenders, Michael Moore, Johan Van der Keuken, Orson Welles, Los hermanos Dardenne, Albertina Carri y otros reconocidos artistas del cine, han dedicado gran parte de su carrera al arte de documentar. Todos ellos hacen lo mismo pero de distinta manera.¿A qué se debe esto? A que existen diferentes formas de abordar, percibir y mostrar la realidad a través de una cámara. También hay diferentes intenciones.
El historiador americano Bill Nichols, quien se ha dedicado durante mucho tiempo al estudio de la teoría del cine documental, explica muy bien este concepto en uno de sus textos: “Modalidades documentales de representación”, entendiendo por “modalidad” a una forma básica de organizar un texto en relación a ciertos rasgos característicos de una película.
Para Nichols existen cuatro tipos de documental, que son: el Expositivo, el de Observación, el Interactivo, y el Reflexivo. Estas cuatro modalidades, que derivan una de la otra, dependen de los enfoques característicos que se hace de la realidad para transmitirla desde diferentes perspectivas con variados fines.
El más clásico de todos y el primero en aparecer en la historia fue el documental expositivo, que surgió por el desencanto que le provocaba a ciertos realizadores el divertimento que proponía el cine de ficción. Sin embargo, luego sucedió que al ser este un tipo de documental que “exponía” un punto de vista determinado, para muchos tenía una intención moralizante que no querían seguir. Entonces plantearon la necesidad de documentar de un modo objetivo, y así surgió el documental de observación. Gracias al avance de la tecnología y la creación de equipos fácilmente transportables, surgió un tipo de documental intermedio entre estos dos: el documental Interactivo, donde entrevistador y entrevistado aparecen en acción. Finalmente con el deseo de reflexionar sobre el proceso de documentar en si mismo, y de reírse de los artilugios llevados a cabo para hacerlo, apareció el documental reflexivo.
Documental Expositivo
En el documental expositivo siempre aparece un mensaje claro y muy ilustrativo de lo que se quiere contar, que va dirigido al espectador directamente. Para eso se utiliza el recurso de una voz en off, persuasiva, clara, que organiza el discurso y el uso de imágenes como ilustración o contrapunto que sostienen el argumento de la película. Las entrevistas aparecen organizadas por esa voz en off, es decir, que el sujeto filmado no tiene el poder de protagonista, o de figura principal. Por lo general se utiliza en películas que tienen por objetivo realizar una reconstrucción histórica, dejando la polémica de lado, y marcando un punto de vista bien definido. Zeitgeist de Peter Joseph, When we were Kings: Ali vs Foreman de Leon Gast, o Us versus Lennon de David Leaf, son claros ejemplos de este modo de documentar.
Documental de Observación
En este tipo de documental, se registran los hechos con cierta neutralidad de la cámara, es decir que la intención es que el realizador no intervenga. Los actores sociales (que se supone no saben que los están filmando), se comunican entre ellos sin mirar a la cámara, de manera natural. Este tipo de películas, por lo general, intentan ceder el control a los sucesos que se desarrollan delante de la cámara, siempre y cuando esto sea posible. Asimismo, en pos de mostrar los hechos con su realidad cronológica, se pueden ver lo tiempos muertos (esos que muchas veces se cortan en la edición). Para eso se establece el uso de muchos planos secuencia. Esta necesidad de mostrarlo todo, explica Nichols, hace que la película sea más verosímil. Por lo general no incluyen entrevistas. Copacabana de Martín Rejtman, Fortalezas de Tomás Lipgot, Parador Retiro de Jorge Leandro Colás, El cielo Gira de Mercedes Alvarez, En construcción de José Luis Guerín, son claros ejemplos de esta forma de documentar.
Documental de Interacción
Se incluye la participación activa del narrador, que puede tomar partida, como entrevistador provocativo o como participante, y relacionarse con los actores sociales. Claros expositores que utilizan este modo de documentar en la mayoría de sus películas son Micheael Moore (Bowling for Columbine, Capitalism, a love Story),Win Wenders (Notebooks on cities and Clothes) y Pino Solanas (La última estación).
Documental Reflexivo
Por último aparece el documental Reflexivo, aquel que surge con el deseo de reflexionar sobre el proceso de documentar en si mismo: desde las maneras en las que la cámara toma los diferentes planos, hasta la confección de los guiones, los entretelones de las entrevistas y los trucos de edición. La problemática de hacer el documental aparece parodiada. Además se toman elementos formales de otras modalidades (un documental expositivo por ejemplo) y los usa para evidenciar la representación del documental. Un ejemplo muy claro lo muestra el fantástico Orson Welles en F de Falso (altamente recomendable).
Sin embargo estas cuatro modalidades no establecen tipos definidos y separados, sino que tienden a combinarse y alterarse dentro de películas determinadas.
Es el director de Across the hall (a través del pasillo), film realizado a partir de un cortometraje que ha ganado más de 15 premios en diferentes festivales. Fue la última película en la que actuara Brittany Murphy antes de morir. Merkin respondío varias preguntas pero prefirió no hablar de la actriz.
¿Cómo nace la historia de Across the film?
Siempre fui amante de este tipo de historia Hitchckokiana donde gente común se enfrenta a situaciones extraordinarias y a un importante dilema moral por primera vez en su vida, por lo que tienen que actuar como si no fueran ellos para poder salir con vida de la situación. Tenía ganas de hacer una película diferente; algo que se alejara del típico trabajo para nuestros clientes y animarme a hacer un film con contenido creativo.
Varios de los elementos de la historia veían rondando por mi cabeza hacía tiempo. Eran pedacitos que me empujaban adentro y querían salir para crear una gran historia. Las ideas iban y venían; las consultaba con la almohada una y otra vez hasta que un día mientras estaba acostado todo se acomodó en mi cabeza de repente –al estilo de un momento eureka- y sencillamente me levante y escribí el guión completo.
Después del corto vino la película… ¿preveían este segundo paso o se dio sin pensarlo?
El corto fue todo un éxito: se transmitió en cerca de 20 festivales y ganó 15 premios y hasta nos ganamos el reconocimiento de Hollywood. Como preveíamos un posible éxito, teníamos preparado un boceto para la película; pero antes de lo que pensábamos y sin estar del todo listos nos empezaron a presionar de diferentes compañías para comprar el proyecto y el film se disparó mucho antes de lo que imaginábamos.
Una parte mía dudaba sobre si lanzarnos con “Across the hall” como largometraje; ya habíamos tenido mucho más éxito del que esperábamos y era un tanto arriesgado. First Look Studios, la compañía que estaba trabajando con nosotros en el corto, fue la primera que nos mostró un verdadero interés así que nos decidimos a hacerlo. Un día mi agente me llamó y me dijo que había un productor – Marco Garibaldi – que había mostrado un interés indescriptible por el corto; que demostraba la pasión y tenacidad que no transmitía ninguno de los otros interesados.
Garibaldi había visto el corto en la premier organizada en Beverly Hills por Samsung y First Look Studios y se había quedado encantado. Desde esa noche que había estado presionando a la compañía para que le permitieran ponerse en contacto con nosotros. Pero recién un año después, y por pura suerte, logró su cometido. Estaba en un bar tomando algo con una amiga suya – que casualmente era conocida nuestra – y en medio de la charla le contó que hacía tiempo que venía intentando conseguir los derechos de un corto que había visto en un festival hacía un año pero que no había encontrado la manera. Ella le preguntó por el nombre del film y cuando él le dijo “Across the hall” ¡ella por poco ella se cae de la silla! Al día siguiente recibimos su llamada y nos puso en contacto con Garibaldi. Terminamos por aceptar su propuesta y en solo unas semanas la película ya casi estaba lista.
¿Por qué decidieron cambiar los actores en el largometraje?
El corto lo hicimos con Adrian Grenier (Julian), James Oliver (Terry) y Natalie Smyka (June). Ella es la única que participa también de la película, aunque con un papel diferente. En un principio teníamos pensado mantener los actores, pero por problemas de agenda la producción nos indujo a que hiciéramos un nuevo casting. Mike Vogel fue el primero en participar del casting. Es una joven estrella de Hollywood en pleno ascenso, se rumoreaban cosas fabulosas sobre él y estaba por estrenarse Cloverfield, una película en la que había participado. Apenas me lo encontré supe que iba a hacer un excelente trabajo con Across the hall. Es una persona que tiene los pies sobre en la tierra, increíblemente enfocado, dedicado y con una gran personalidad.
Para el papel de June había varias actrices bellas y con nombre interesadas pero ninguna que pegara del todo con el papel. Hasta que llegó Brittany Murphy. De repente me fascinó la idea. Me encontré con ella para comer y tuvimos un almuerzo excelente; ella era perfecta para el papel así que fue la siguiente en sumarse al proyecto.
Después de eso me junté con Danny Pino para el papel de Terry. Al igual que Mike, tenía una personalidad muy fuerte, demostraba ser muy dedicado y hasta se vino preparado con varias notas que había hecho.
Finalmente, audicionamos a mucha gente para el rol de Porter y eso sí que fue una decisión muy complicada. Pero cuando apareció Brad Greenquist que tenía justo lo que buscábamos no lo dejamos ir. Necesitábamos esa arrogancia que él transmite, la habilidad de tomar un rol con cierta dignidad y un fuerte deseo pero que a la vez provocara un cierto nivel de humanidad y simpatía para el espectador.
¿Estás conforme con los resultados?
Estoy completamente orgulloso del film. Sé que no es perfecto; cada vez que lo veo le sigo encontrando cosas que hubiera hecho diferentes. Pero eso me pasa casi siempre así que honestamente, estoy muy contento con el resultado de Across the hall. Y más importante que esto aún, espero que los espectadores se sientan igual que yo.
Después de la muerte de Brittany Murphy el film adquirió mayor popularidad, ¿Qué opinas al respecto?
Lo lamento mucho, pero sinceramente prefiero no hablar del tema.
Si con Roger and Me (1989), Bowling for Columbine (2002), Fahrenheit 9/11 (2004) y Psycko (2007), Michael Moore logró ocupar el lugar de referente indiscutido de la industria cinematográfica a nivel mundial, con su último documental “Capitalismo, una historia de amor” (2009), (que se estrenará el mes que viene en nuestro país) Moore da un paso más y se consagra como el nuevo Gurú del cine. Un director espiritual que se anima a desnudar la historia política de su país como solo él sabe hacer: con ingenio, audacia y una cámara al hombro.
Capitalismo… es un documental que muestra y por momentos parodia (ya lo vemos reflejado en el título) la crisis que vivió la sociedad del país norteamericano en lo que tal vez sea la segunda gran debacle financiera de su historia (la primera con el crack de 1929) y en la cual señala al ser humano como el primer y único responsable del estado actual de las cosas.
Después del quiebre del sistema financiero y la explosión de la burbuja inmobiliaria, muchos análisis y mea culpas- aunque por un lapso de tiempo muy acotado- fueron pronunciados por personas de diferentes ideologías: tanto por parte de los defensores del conservadurismo de extrema derecha (como lo hizo el ex director de la FED Allen Greenspan, quien reconoció no haber sabido escuchar las numerosas advertencias de las agencias federales y de algunos legisladores que preveían que todo estallaría- tarde o temprano- si se continuaba en esa tesitura de seguir financiando y comercializando irresponsablemente las tristemente célebre hipótecas truchas, y los de centro izquierda que dijeron que EEUU llegó a esa situación crítica por haber especulado sin pensar en las consecuencias, hasta del ultraordoxo y ultraterco, Bush quien alejado ya de la casa Blanca en un pseudo intento de analizar los errores que tuvo durante su tétrica gestión disparó: “Perdón por la crisis. No me gusta la idea de la gente esté perdiendo puestos de trabajo, pero, el pueblo estadounidense tiene que saber que vamos a salvaguardar el sistema. Y si tenemos que meternos más, lo haremos -…”. Y vaya que lo hicieron, y así terminó todo, como un noviazgo desgastado en lo que alguna vez fue una historia de amor.
Nadie se hizo cargo de la triste realidad que le tocó vivir a raíz de esto a la clase media; una mayoría que quedó relegada del sistema de la noche a la mañana. Así las cosas, la gente fue sacada de sus casas como perros a patadas (esto en el más literal de los sentidos: de hecho hay una angustiante escena en esta película donde se ve a una señora mayor y a un hombre de unos 70 años rogándole a un carpintero que deje de tapiar las puertas y ventanas de su casa, gritando con lágrimas en los ojos que allí había vivido por 40 años, que no tenía a donde ir).
Es entonces ahí donde Moore se pregunta o mejor dicho le pregunta al espectador con un dejo de humor: “¿Qué es el capitalismo?” y se responde: “un sistema que consiste en quitar y dar, más que nada en quitar”. Luego, para reflexionar con él, para reír también, acude a una analogía entre lo que fuera el imperio Romano y las entremezcla con imágenes periodísticas de la actualidad: guerras, imágenes de la iglesia, imágenes de Bush, y música clásica de fondo, como si toda la hecatombe hubiera sido orquestada por un aparato macabro (cualquier coincidencia con la realidad ¿es pura coincidencia?). Hasta arremete contra la iglesia, y se pregunta ¿en qué parte de la Biblia dice que Dios quiere al capitalismo?.
Moore es oriundo de Flint Michigan ciudad que fue sede de la ex General Motors, la fábrica que tuvo su auge y ocaso junto al capitalismo, y donde su padre y su abuelo trabajaron durante años. Por este motivo es que él no reniega haber pertenecido (o pertenecer) a este sistema, y tal vez por haber estado tan inmerso en él lo puede explicar mejor que nadie: “El capitalismo es un sistema de codicia legalizada, organizado para proteger al uno por ciento de la población que acumula la mayor riqueza”.
Esto es lo que él piensa, sin embargo en su película, no propone que la sociedad haga un vuelco y vire a otro concepción del mundo (acaso un EEUU comunista)- sería insólito y hasta imposible, simplemente muestra lo que todos quieren ocultar: la responsabilidad de todos aquellos que en el afán de continuar inflando sus bolsillos, olvidaron que todo lo que se infla mucho, en algún momento, tiende a estallar, y que los excesos se pagan caro. Porque la idea de Moore es también, la de informar, y denunciar, hacer un documental de tipo político (si es que existe el género).
Capitalismo… ya fue estrenada en USA y recibió cientos de críticas y miles de felicitaciones. ¿Porqué? Porque el cineasta se anima a desenmascarar los tabúes de una sociedad velada que no está acostumbrada a este tipo de desvelos y esto irrita e inquieta. Nadie se puede callar. Moore critica a las corporaciones en un país donde las empresas lo son todo, se muestra como progresista en una sociedad que prefiere mantener el statu quo. Lo hace desde el lugar de la pertenencia y eso es lo que más incomoda.
Y porque aunque lo tilden de “mentiroso”, “tendencioso”, “sensacionalista” o hasta de “Odiar America” (“Michael Moore Hates America”, se titula una película en su contra), él no oculta sus raíces norteamericanas, de hecho dice amarlas; ("Yo amo este país y por eso quiero cambiar las cosas", aseguró hace poco en una entrevista a un diario español), y desde ese lugar es que las denuncia para mejorarlas.
“Yo quiero que la gente se entretenga con mi cine pero no quiero que sean espectadores pasivos. Quiero que sean ciudadanos de una democracia, que bajen de la grada y participen en el juego. Y por eso les doy la información y las armas para que se levanten de la butaca. La gente sale de mi película enfadada a veces y triste otras, pero al menos dispuesta a luchar", dijo luego del estreno. Y cierto que lo hace, sino vean esta película, al menos para sacarse la duda.
Durante el mes de junio el Museo de Arte Latinoamericano tiene por invitado al programador Ángel Faretta, escritor, poeta y crítico de cine reconocido entre los cinemaníacos por haber sido autor de varios artículos en revistas como Minotauro (especializada en ciencia ficción y literatura fantástica) y Fierro (de historietas), quien para esta ocasión decidió proponer un ciclo diferente a los habituales, que abarcara películas poco frecuentadas, y difíciles de conseguir.
Dejando de lado a artistas renombrados de la talla de Francis Ford Coppola o Alfred Hitchcock, que resultan obvias perlas del mundo del séptimo arte, alcanzables por todos, Faretta dio curso al ciclo “Lo que el cielo nos da”, e incluyó a insólitos como: Las amigas, de Antonioni, Mujeres casadas, de Soffici , The unknown, de Tod Browning, Cumbres de Pasión de Sam Wood, Las siete oportuinidades, de Buster Keaton, El malvado Zarroff de Irvin Pichel, Carnaval de Antaño de Manuel Romero, El asesino Oculto de Joseph Lerner, La furia, de Brian de Palma, entre otras.
La propuesta es interesante por demás, ya que todas estas rarezas se podrán ver en la sala del Malba por el precio de entrada general, de 15 pesos o por 8 pesos para estudiantes y jubilados. Más información la pueden encontrar en la página oficial del museo: www.malba.org.ar.
Freddy Krueger es uno de los personajes de terror más recordados de las decádas de los `80 y `90. Bien interpretado en esta ocasión por Jackie Earle Haley, en reemplazo del actor Robert Englund –quien le dio cuerpo en las 7 películas anteriores- Kruegger intenta ahora cautivar a un público adolescente entre el que muchos lo conocen únicamente de oído.
Ahora en las manos del director Samuel Bayer y producida por Michael Bay, el film mantiene el argumento y la secuencia de la versión orginal pero sumándole ciertos elementos que lo sitúan en la época actual.
Si bien no ha logrado nada espectacular, el remake es aceptable y hasta el momento viene logrando su objetivo: captar un nuevo público adolescente que solo lo conoce de nombre y volver a atrapar a aquellos que aún lo recordamos como si hubiéramos visto la película ayer.
Argumento:
Freddy Krueger intenta asesinar a un grupo de adolescentes en sus sueños. Lentamente se van atando cabos y los sobrevivientes comienzan a comprender el nexo entre los crímenes y un pasado que sus padres siempre les habían ocultado.
Género: Terror
Subgénero: Slasher – por la presencia de un asesino serial.
El film mantiene al espectador atrapado constantemente. El suspenso, la música y las continuas apariciones repentinas de Krueger evitan que uno pueda salirse siquiera por un momento de la película.
Finalmente John Carpenter, uno de los íconos del terror de todos los tiempos, será el encargado de adaptar al cine la novela Fangland (Tierra de Vampiros) de John Marks, publicada en 2008.
El afamado director neoyorkino, de 62 años, fue contratado por Blumhouse Productions y llevará adelante el proyecto cuyo protagonista será Hillary Swank, la ganadora del Oscar a mejor actriz por Million Dollar Baby. Swank interpretará a una productora de televisión que será capturada por vampiros en los pasillos del canal donde trabaja.
Carpenter es junto a David Cronenberg y Wes Craven, uno de los principales referentes del género de terror moderno. Entre sus películas más destacadas se destacan La noche de Halloween, Fantasmas de Marte, La Cosa (El Enigma de Otro Mundo) y Dracula: el príncipe de las Tinieblas, tal vez su film más reconocido.
En su trabajo es característica la carencia de efectos especiales, la poca iluminación y la preminencia de la fotografía, apoyándose en cámaras estáticas y una música muy distintiva.
Todos lo odiaron cuando el detective Jack Traven, personificado por Keanu Reeves en Máxima Velocidad, fue acorralado por sus bombas en un ómnibus que no podía reducir de 50 millas por hora si no quería volar por los aires. Y también fue odiado cuando Harry Temple (Jeff Daniels), amigo y compañero de Jack, encontró la muerte gracias a una trampa urdida por el cínico y maligno genio de este ex policía. Pero esos mismos lo lloraron el 29 de mayo pasado, cuando él, el brillante Dennis Hopper, murió a causa de un cáncer de próstata contra el que peleó durante más de un año.
Hopper fue uno de los actores más polifacéticos que haya dado Hollywood. No solo se lo recuerda como aquel villano de la película dirigida por Jan de Bont, sino que en su haber se cuentan participaciones en más de 40 films como actor y 5 como director. Entre estas últimas se incluye el clásico Easy Rider, que fue sin lugar a dudas su salto a la fama, junto a Peter Fonda y su gran amigo Jack Nicholson. El guión de este film le valió una nominación a los premios Oscar.
En 1986 fue candidato al premio que entrega la Academia como mejor actor de reparto por su actuación en Hoosiers, más que ídolos , pero el gran reconocimiento le llegaría mucho tiempo después; en su último año de vida: En marzo de este 2010, Hopper recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en un estado casi terminal. Fue la última vez que se lo vio en público y había adelgazado notablemente.
Easy Rider, Máxima Velocidad, Terciopelo Azul, Apocalipsis Now y Rebelde sin causa son tan solo algunos de sus grandes éxitos; algunas de las grandes obras donde su recuerdo se mantendrá siempre vivo. Al igual que la estrella en el pavimento del 6712 de Hollywood Boulevard, la morada de la memoria de aquel actor que seguramente ustedes también odiaron por un rato.
Voy a dejar de lado la objetividad para escribir esta nota: A mi criterio Any Given Sunday (Un Domingo cualquiera) es, sin lugar a dudas, la mejor película de deportes de todos los tiempos. Transmite la emoción del juego, la sensación de hazaña y el afán de superación; tiene actuaciones excelentes, momentos memorables y se encuentra excelentemente realizada por el gran Oliver Stone.
Tony D`Amato (Al Pacino) es el entrenador principal de los Miami Sharks, un imaginario equipo de la NFL cuya principal estrella es Cap Rooney (Dennis Quaid) y su dueña es una joven Cameron Diaz, hija del difunto magnate que llevaba las riendas del equipo cuando, de la mano de Tony y Cap, logró 2 campeonatos.
Pero esos tiempos quedaron lejos. Cap está más cerca del retiro que de la gloria y D´Amato no le encuentra la vuelta a un equipo donde conviven el recambio de estrellas con los egos del hiperprofesionalismo de la Liga de Futbol Americano más importante del mundo. La lesión de Rooney, la aparición del joven -y egocéntrico- mariscal de campo Willy Beamen (Jamie Foxx) y una serie de sorpresivas vistorias de la mano de la joven estrella, tienden el pie para que Stone desarrolle una historia que bien puede ser la de cualquier equipo de futbol profesionalargentino, con las presiones de la victoria, los negocios latentes y la magia del deporte siempre presente.
El director propone analizar qué deporte tenemos hoy, hace un llamado de atención sobre cómo el negocio ha raptado al romatiscismo del juego, pero deja unas interesantes perlas para la emoción, como el soberbio discurso de Al Pacino a sus jugadores, que es usado por técnicos de todos los deportes para incentivar a sus planteles antes de grandes citas.
Además de entretenido, el cine es un elemento de comunicación muchas veces aprovechado para dar a conocer ciertas situaciones de desigualdad social, injusticia, indiferencia. Muchos directores intentan con sus películas impulsar a que el espectador tome sus cartas en el asunto.
John Q, dirigida por Nick Cassavetes ha dado de qué hablar. En el papel de un padre que debe enfrentar una grave enfermedad de su hijo sin la ayuda de una cobertura social ni el respaldo del Estado, Denzel Washington representa a miles de personas que conviven con situaciones similares.
El corto italiano La Pivellina que fue transmitido en el BAFICI y dirigido por Tizza Covi y Rainer Frimmel fue elegido como la mejor película sobre derechos de la infancia en el BAFICI. Cuenta la historia de una familia humilde que trabaja en el circo y que decide hacerse cargo de una pequeña de 2 años a quien su mamá abandona en una plaza.
Otro claro ejemplo del cine que lucha por la igualdad social es Ciudad de dios, la película brasilera basada en un hecho real que ha dado la vuelta al mundo entero y que representa cómo es la vida en una favela de Río de Janeiro, en donde los asesinatos, la delincuencia y el tráfico de cocaína son moneda corriente.
Paco, estrenada recientemente, es la primera película argentina que muestra una realidad ya conocida, de la que se habla en la televisión pero de la que aún ningun gobierno ha decidido tomar alguna decisión al respecto. El consumo cada vez más frecuente del paco – droga callejera de bajo costo – y las consecuencias que su adicción trae consigo.
En busca de la felicidad, Hombre en llamas, Taken, Invictus, Sueños de libertad, Babel, son otros ejemplos de un sector de cine comprometido con la realidad social, muchas veces del país de origen o de casos extranjeros también.
¿Se puede realizar una película de culto, sobre un tema específico y con un mensaje muy relacionado a un público puntual, pero que a su vez cumpla con todos los requisitos del entretenimiento cinematográfico y atrape a aquellos que se encuentran alejados del tema central? La respuesta es sí. De hecho el director Peter Howitt lo logró con Antitrust (2001).
El corazón del argumento de este film son las computadoras y las redes; o más bien un grupo de nerds tratando de cambiar el mundo a través de estas dos herramientas. Ryan Phillippe es Milo Hoffman, un genio de la informática que trabaja junto a un grupo de amigos en el garage de su casa (de ahí el mensaje de la película: “cualquier chico en un garage, con una computadora, puede cambiar el mundo”), y recibe una invitación para ingresar en NURV, la compañía de computadoras más grande del mundo, desarrollando un proyecto que cambiará las comunicaciones mundiales, llamado Synapse.
Una vez dentro de NURV, Milo comienza a darse cuenta de hasta donde es capaz de llegar su dueño, Gary Winston ( Tim Robbins ), en su afán por dejar su huella. Cuando su mejor amigo es asesinado y él descubre que la empresa está involucrada, comenzará a utilizar toda su genialidad para desenmascarar a los responsables y boicotear definitivamente el proyecto Synapse.
Si bien Antitrust es una película dinámica, con un gran porcentaje de acción e intriga, su principal atractivo es la inmediata asociación con la realidad. No es difícil ver en NURV a la actual Microsoft (o tal vez a la de antes del golpe monopolizador de Windows) o en Gary Winston a Bill Gates. Incluso el look de Tim Robbins es llamativamente parecido al del millonario CEO.
La película está considerada muy cercana al movimiento del software libre en algunos círculos y por momentos se convierte casi en un grito contra los monopolios informáticos. Un dato importante: Entre los cameos se puede ver a Miguel de Icaza, el desarrollador mexicano de software libre, creador del proyecto GNOME. Antitrust transita constantemente la tenue frontera entre la ficción y la realidad, jugando en todo momento con la complicidad del televidente. Con un código accesible para cualquiera que la mire, lleva al extremo una situación que el usuario común no llega a comprender cuando enciende su computadora. Tal vez por eso no sea únicamente una película de culto para nerds y programadores, sino un film para aquellos que intenten comprender un poco mejor la realidad.
Si me habré reído con ellos. Mejor dicho con su humor y sus películas. Puedo ver La vida de Brian otra vez, y otra vez, y otra vez y seguir estallando de risa de los mismos chistes ingeniosos. Porque este grupo de humor que nació en los teatros londinenses a mediados de los años `60 supo como nadie retratar la idiosincrasia británica en clave de humor.
Inicios en televisión
Terry Jones, Terry Gillian, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin y Graham Chapman, los integrantes de Monty Python, se iniciaron en teatro y en ese ámbito se fueron conociendo a mediados de la década del `60. Pero el conjunto saltó a la fama recién en 1969 con la emisión del primer episodio de Monty Python's Flying Circus (El Circo Ambulante de los Monty Python) una sucesión de sketchs de humor absurdo y surrealista cargado de crítica social, porque el humor si no es político no es tan divertido. También hacían parodias de hechos y personajes públicos. El programa se mantuvo en el aire hasta 1974.
Cine
La gran pantalla fue el espacio que les daría fama mundial. La primera película del grupo fue: Se armó la gorda (And Now for Something Completely Different) (1971), un compendio de los mejores gags del programa de televisión. Luego vino: Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (Monty Python and the Holy Grail) (1975) ambientada en la corte del rey Arturo con excelentes toques de humor. Pero la consagración llegaría en 1979 con La vida de Brian (Life of Brian) una sátira sobre lo que se cuenta de la vida de Jesús, con mucha ironía pero sin ofensas. Retrata la vida de un joven judío de Galilea, idealista y militante de la resistencia a la ocupación romana de su territorio. Brian además debe lidiar con su idishe mamme, y los problemas de desintegración de la izquierda (como se puede ver son mundiales y eternos en todas partes el mundo). Se ríe de las torpezas del imperialismo y de cómo Brian se erige como el salvador, por casualidad. En 1982 se estrenaba Monty Python en Hollywood (Monty Python Live at the Hollywood Bowl) que resume las cuatro actuaciones que dio el grupo en el mítico escenario de Los Ángeles durante 1980. El filme es una especie de "Grandes Éxitos" a la manera de "Se Armó la Gorda” con una sucesión de sketch desopilantes, en vivo con las risas del público de fondo. En El sentido de la vida (The Meaning of Life) (1983) muestran de una manera satírica, las diferentes etapas de la vida e intentan llegar a la conclusión sobre el sentido de la misma. El nacimiento, la educación, la edad madura, la enfermedad y la muerte son temas que son tratados de manera irreverente por los Python, en tono de comedia musical surrealista. Se permiten bromear con los católicos y su prolífica descendencia de hijos por no poder cuidarse, versus los protestantes que son más austeros y sólo tienen dos “uno cada vez que tuvimos relaciones”. También con la educación sexual en los colegios, y la relación médico-paciente.
Luego de tantos éxitos vendrían las experiencias solistas de los integrantes y la muerte de Graham Chapman en 1989. Pero por suerte quedaron las genialidades de los Monty Python, ese tipo de humor que hace que sigamos llorando de risa.
Varios de los grandes clásicos del cine provienen del campo literario y aunque en muchos casos se han convertido en películas taquilleras, en la mayoría no se logra representar la totalidad de la idea original y el libro suele ser elegido como la mejor opción.
En relación al tipo de obra será más sencillo o complicado transmitir lo mismo con imágenes que con palabras. El cine jamás logrará que una película alcance el nivel de una obra escrita por Julio Cortázar, Gabriel García Márquez o Shakespeare.
Las clásicas obras de Shakespeare han sido representadas en más de 400 versiones en las principales salas del mundo así como también en muchísimos teatros a lo largo de la historia. Romeo y Julieta, El rey Lear, El mercenario de Venecia, Othelo han sido la inspiración de muchos directores. Aún se siguen produciendo nuevas versiones debido a que no hay que pagar a nadie por los derechos de autor.
El señor de los anillos (escrito por J. R. R. Tolkien y dirigido por Stanley Kubrick, Harry Potter (K. Rowling - David Yates), El padrino (Mario Puzo – Francis Ford Coppola),Lo que el viento se llevó (Margaret Mitchell – tuvo 5 directores: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming) y Mujercitas (Luisa May Alcott - Gillian Armstrong) han dado excelentes resultados comprobados con la multimillonaria venta de entradas que han conseguido.
En el caso particular de Como agua para chocolate, la realización fílmica no podría nunca captar las recetas, la disposición del libro. La película resulta aburrida, lenta, en comparación a un libro muy fácil de leer.
Algunos autores de bestsellers han vendido los derechos de varias de sus obras aunque los resultados distaron de ser exitosos.
En el caso de Stephen King, 8 de sus libros han sido proyectados: La niebla y Cadena perpetua (dirigida por Frank Darabont), 1408 (Mikael Håfström), Eclipse total (Taylor Hackford), La tienda (Fraser Clarke Heston), Los chicos del maiz II (David F. Price), La mitad oscura (George A. Romero), El cortador de césped (Brett Leonard), Sonámbulos (Mick Garris), Carrie (Brian de Palma).
Algunos de los exitosos libros del ingles Dan Brown tambien han sido elegidos. El código Da Vinci, dirigido por Ron Howards, y Ángeles y demonios, dirigida por el mismo autor.
Otros ejemplos:
The notebook, Milagros inesperados, La camara, El ojo del tigre, El aguila ha llegado, Orgullo y prejuicio, Tomates verdes fritos, Como agua para chocolate, La naranja mecánica, El club de la pelea.
Los populares personajes creados en 1958 por el dibujante belga, Pierre Culliford, llegaran al cine de la mano de los estudios Columbia Pictures y Sony Pictures Animation.
Los Pitufos será dirigida por Raja Gosnell (Scooby Doo) y el guión estará a cargo de J. David Stem y David Weiss, escritores de los grandes éxitos recientes "Shrek 2" y "Shrek Tercero".
Pero quizás la nota saliente sea que la película fusionará realidad y animación, al estilo de Alvin y las Ardillas o, en menor medida, la propia Scooby Doo. Los pequeños personajes azules serán producto de la animación computarizada pero estarán acompañados por un elenco de actores que incluirán a Neil Patrick Harris ("Doogie Howser, M.D." y "How I Met Your Mother"), Sofia Vergara ("Modern Family") y Hank Azaria, más conocido como David, una de las parejas de Phoebe en Friends o la voz de Apu y Krusty en la versión estadounidense de Los Simpson, como el villano Gargamel. El reparto lo completarán George Lopez, Alan Cumming, Jonathan Winters, Katy Perry, Jayma Mays.
Originalmente llamados "Les Schtroumpfs" en francés, Los Pitufos se crearon para una serie de historietas, en primer lugar, como personajes secundarios, pero luego fueron ganando lugar hasta la popular serie de dibujos animados de Hannah-Barbera. La cinta aún no tiene fecha de estreno, pero se comenta que sería en algun momento de agosto de 2011.
Desde el jueves y hasta el miércoles se realiza la duodécima edición del Festival de Cine por los Derechos Humanos.
Fundado en 1997, el festival especializado tiene por objetivo promover la difusión del material audiovisual comprometido con la realidad social para generar conciencia entre los ciudadanos e incentivar el debate acerca de los derechos humanos.
Como todos los años, luego de las proyecciones, se incluirán debates y reuniones entre el público y los autores. A las secciones que ya son clásicas de la muestra (“Territorio”, “Identidad”, “Miradas de Género” y “ Infancia y Juventud”) este año se sumarán el “Foco Irán” y el “Foco Haití”.
Los inevitables del día de hoy son cuatro:
El primero, es a las 17 hs en la Cámara de Diputados. Allí se proyectará el documental "Padres de la Plaza, 10 recorridos posibles" con la presencia de su realizador, Joaquín Diglio. La película que reflexiona sobre la figura de los padres de los chicos secuestrados y desaparecidos durante la última dictadura militar Argentina, invita a los espectadores a tener un encuentro con su realizador para abrir un debate junto a él.
Para las 18 hs se realizarán dos proyecciones con sede en la Biblioteca Nacional; uno europeo: "Nomade Napoli", una mirada acerca de una comunidad italiana de gitanos, la población Rom, que viven marginados de la sociedad, de la directora Marina Di Petro, y el segundo situado en el continente africano: "Maskaniflani" , un documental contado y cantado por músicos de Kenya, que reclaman la utilización de sus espacios públicos para promover el arte y la cultura dentro de su país, de los directores Vicenio Cavallo y Silvia Giollello.
A las 21:15 en el Cine Club Mon Amour se proyectará el film “Improvisamente l Invierno Scorso” (De pronto el Invierno Pasado) de Gustav Hoffer y Luca Ragazzi, que pone el foco en el tema de la homosexualidad en Italia. El film cuenta las dificultades a las que debe enfrentarse una pareja de homosexuales cuando la sociedad italiana, envuelta en un ataque de repentina homofobia, debe enfrentarse a la decisión de aprobar o vetar una ley que garantice los derechos de los homosexuales en su país.
El día cierra a las 22hs en el Cine Gaumont con otras dos proyecciones que abarcan la temática de la justicia social:
"Sartaví" de Julia Romero, Laura Yanella y Mónica Simoncini y “A margen Do Lixo”, un documental que muestra como los recolectores de papel y materiales reciclables de la ciudad de San Pablo reflexionan acerca del valor de ejercer su tarea, dando valor al poder del trabajo cooperativo como factor de inclusión social, del brasileño Evaldo Mocarzei.
El cine Cosmos se ha convertido en un símbolo cultural de libertad y resistencia durante la época de la dictadura militar y es por esto que ha adquirido una enorme importancia a nivel nacional lo largo de los años. Tras su último cierre en 2009 por problemas económicos, a mediados de este año volverá a abrir sus puertas pero bajo el control de la UBA.
La apertura del nuevo cine Cosmos estaba programada para abril pero se ha retrasado y abriría recién a mitad de año en fecha a confirmar. El rector de la institución educativa Rubén Hallu - cuya reelección fue repudiada por gran parte de la comunidad educativa- explicó la semana pasada a los medios que la intención de la universidad es mantener el espíritu del Cosmos, que se continúe siendo un espacio de cine independiente donde se puedan exhibir las producciones propias de la facultad, realizar programaciones y festivales.
La sala abriría sus puertas por primera vez en 1929 con el nombre de “Cataluña” pero sería inaugurado en 1970 como Cosmos 70` en alusión a la posibilidad de proyectar películas en 70 milímetros, toda una novedad para la época. Durante el autodenominado proceso de reorganización nacional, este cine se destacó por pretender evitar la censura y hasta consiguió llenar una sala con la proyección del film checo El acorazado Potemkin. Una vez recuperada la democracia, la crisis económica de mediados de los años `80 impidió que el cine siguiera funcionando y en 1987 se decidió cerrarlo y en 1990 se reinauguró.
Martín, estudiante de Ciencias de la comunicación e integrante de la FUBA, manifestó su descontento frente a la decisión del rector de comprar el espacio ya que “hay problemas más urgentes para resolver que requieren de la plata que gastan en estas cosas”. Él cursa en la sede de Ramos Mejía y asegura que “los techos se caen a pedazos”, además de que no tiene calefacción ni reparación. Agregó que se deberían aumentar los programas de becas y ayuda en la compra de los materiales para continuar introduciendo más alumnos al sistema educativo.
Sin bien habría que reacomodar las urgencias y necesidades de la universidad, es necesario admitir que con esta decisión estaremos recuperando una joya cultural de la Ciudad de Buenos Aires.
La semana pasada tuvimos el honor de contar con la presencia del periodista platense experto en medios, Alvaro Luizzi, quien vino a dar una charla acerca de un tema de gran relevancia en el periodismo actual: el choque cultural que se produjo entre el periodismo gráfico y el digital, con el naciemiento de este último.
Para el periodista el surgimiento de las nuevas tecnologías (páginas web, redes sociales, blogs) puso en jaque el modo tradicional de trabajar en las empresas periodísticas. A raíz de esto, la cúpula directiva de cada medio debió decidir entre formar una redacción integrada, que mezclara a los jóvenes periodistas digitales con los "viejos" experimentados (que están en la prensa hace más de 20, 30 o 40 años), o mantenerlos separados. La mayoría debió aceptar que la primera opción era la más lógica y desde ese lugar se produjo un gran cambio en su estructura de trabajo habitual.
Luego de realizar un relevamiento entre los diarios más prestigiosos de España y los de Argentina y con el objetivo de mostrar las diferentes dinámicas organizativas que debieron adoptar las empresas tras la aparición de esta nueva forma de hacer periodismo, Luizzi presentó tres modelos de redacción: el de Clarín, al que presentó como “el modelo desintegrado”, Crítica Digital, al que calificó como “el caso de éxito” y al diario español El mundo, al que señaló como “un híbrido" entre los dos primeros.
“En la redacción de Clarín hay tres mesas, donde una de ellas, la mesa H, es la de mayor jerarquía, allí están ubicadas las principales cabezas (los editores generales, de página, de fotografía, etc), que son quienes toman las decisiones por sobre las otras dos. En Crítica Digital, en cambio, no están divididos por sectores y todos pueden escribir de cualquier tema. Mientras que el diario El Mundo, de españa, tiene una integración parcial, porque si bien aún no integraron las redacciones, se están formando periodistas para integrarlas”, explicó.
Un problema que se suscita a raíz de la inmediatez que exigen estos nuevos modos comunicación, según el experto, es el de la organización.
Importantes medios locales como Clarín y la Nación, no poseen guardias nocturnas (periodistas web que trabajen en las redacciones por la noche) por lo que las noticias llegan tarde a los sitios. Luizzi ejemplificó esto con el caso de la noticia del terremoto en Chile. El hecho sucedió un domingo en la madrugada, y mientras el diario El Mundo ya mostraba desde las 4 de la mañana hora local (9 hora europea) en todas sus portadas la catástrofe, los medios locales, tardaron 5 horas más en publicar la noticia por no tener una guardia de madrugada.
Otro problema es, según Luizzi, el de la falta de preparación de los profesionales:
En el afán de contar con toda la información de manera rápida en sus sitios web, muchos medios, incluso renombradas empresas como Clarín, extraen artículos completos sin siquiera citar a la fuente recurridas, el famoso "copy paste", lo que demuestra además la incapacidad de generar contenido de su propia autoría para sus sitios.
“Muchos medios se rehúsan a poner los vínculos de la competencia, piensan más en el número de visitas que en el lector. Cuando un lector está bien informado, vuelve al medio, de la otra manera, no”, señaló.
Asimismo, Luizzi destacó los beneficios del uso del fenómeno 2.0, como por ejemplo el que brindan las mal conceptuadas redes sociales: "Muchos se creen que Facebook o Twitter son sólo sitios de entretenimiento, pero son una herramienta muy útil para trabajar, sobretodo por la horizontalidad", destacó. Facebook, Twitter y hasta los blogs son formas de comunicarse que están dirigidas a un tema específico y eso genera más proximidad con los usuarios, con la persona a la que se quiere llegar en la comunicación, por eso su inclusión es algo positivo.
Para Luizzi a pesar de que la integración entre los medios “electrónicos” y “el papel” no vaya a suceder de la noche a la mañana, el tema “tiene un marketing muy grande", aseguró. "Uno puede ser idealista pero los medios son una empresa”, agregó.
Milton Secchi nació hace 22 años, en la Ciudad de Santa Fe, donde comenzó su amor por el cine, y también su formación como director.Se presentó por primera vez en el BAFICI con su segundo corto Verano, una ficción que realizaron los Todopantalla, una banda de rock amiga de Milton cuyos integrantes se prestaron a jugar como actores por un rato.
¿Cómo llegó Verano a participar en el BAFICI?
M- Mandé la ficha de inscripción con el corto y quedó seleccionado para competir.
Por lo que contás parece bastante fácil…
M- Si, yo no pensé que podía quedar entre los elegidos, pero así fue…
¿Como fue la recepción del público?
No escuché críticas. Pero cuando proyectaron Verano observé que el público estaba atento, y es la única herramienta que tengo para medir: la atención del espectador.
¿Que te parece el nivel del festival este año?
M- Vi muchos filmes, sobre todo experimentales. Pero de los que están en competencia no tantos. En cuanto a cortos hay muchos más que el año pasado, y el nivel es muy bueno. Tanto a nivel técnico como en cuanto a recursos e ideas. Están bien armados, bien realizados, tienen buena fotografía.
¿Sentís que tu paso por el BAFICI puede abrir nuevas puertas?
M- En realidad lo que más me interesa es la difusión. Dar a conocer mi obra. Obvio que si salen nuevas cosas bienvenidas. Creo que este festival es una buena vidriera pero las obras se pierden por la masividad: es el precio que se paga por lo grande e inabarcable de la programación.
¿Tenés algún proyecto nuevo en carpeta?
M- Tengo algo, un nuevo corto, pero no está en desarrollo todavía.
¿No te animás al largometraje?
M- No, aún no. El corto permite mayor control, sobre todo si no se cuenta con muchos recursos. Creo que no se puede hacer un largo con espontaneidad, si lo hago quiero tener recursos, plata…
Milton contó con el apoyo del Instituto de Cine de la Ciudad de Santa Fe y de la Secretaría de Cultura de la Ciudad, quienes prestaron equipos, ayudaron con la logística y con los viáticos, para poder realizar Verano.
“Aunque no haya ganado, fue muy gratificante participar. Los que recién empezamos debemos contar con estas oportunidades” cierra Milton Secchi, satisfecho.
Sony Pictures decidio patear el tablero y modificar una de las sagas mas taquilleras del cine de los últimos 20 años. La cuarta entrega del hombre araña, que se habia prometido para el verano de 2011, tendra un profundo lavado de cara, que incluira los reemplazos de sus dos protagonistas y del padre de la criatura, el director Sam Raimi.
El renacimiento del heroe llegara a las pantallas de todo el mundo el 3 de julio, dirigida por Marc Webb ("500 dias sin ella"), con guion de James Vanderbilt y con un elenco aun indefinido. Varios nombres sonaron para el papel de Peter Parker, entre ellos los de Josep Gordon Levitt ("500 dias sin ella") y Logan Lerman ("Percy Jackson y el ladron del rayo"), pero lo cierto es que entre las pocas cosas que se saben de la nueva entrega de la saga es que llegara en formato 3D y que sera producida por Columbia Pictures y Marvel Studios. Pero no hay confirmaciones acerca de los papeles protagonicos.
En principio la idea de la produccion era estrenar una cuarta pelicula de esta franquicia en 2011 y luego reiniciar el proyecto en 2012. Sin embargo cuando se hizo evidente que el director Sam Raimi no podria completar el film para la fecha pautada, se decidio desechar la ultima entrega y pasar directo al renacimiento del heroe. Incluso el actor John Malkovich habia confirmado en los ultimos dias que seria parte de esta pelicula antes de su cancelacion.
Ahora parece que veremos un Peter Parker contemporáneo, un héroe que pelea contra problemas mas ligados a la realidad de estos tiempos. Pero habrá que seguir esperando para tener otro tipo de confirmaciones.
El director eslovaco Peter Kereks ha encontrado una manera original de replantear la tan conocida historia de las guerras europeas: nada más ni nada menos que a través de la mirada y los testimonios de aquellos cocineros que participaron actívamente de ellas, otorogándoles un inesperado protagonismo en la historia mundial. Mezclado con un toque de humor irónico el mensaje está muy bien logrado.
“Un ejército marcha al compás de sus estómagos”, dijo alguna vez Napoleón Bonaparte. Tras ver este film uno comprende la verdad que escondía esta frase del general francés. Un soldado bien alimentado está en condiciones de combatir pero no así aquel que tenga hambre y se distraiga pensando en la comida. En épocas de guerra, los ingredientes y utensilios son escasos, la cantidad de personas a alimentar es numerosa y, si el clima no ayuda, la tarea del cocinero – actor invisible en la historia mundial - no resulta para nada fácil.
Realización
La película completa le demandó a su director cinco años de trabajo. Kereks explicó alguna cosas que descubrió a lo largo de la investigación:
La intención del director es que el documental tenga una mirada completamente objetiva desde su lugar. Es por esto que eligió que se relatara a través de testimonios en primera persona:
Peter Kereks explicó entre anécdotas y risas los motivos que lo impulsaron a rodar el film. Además de la importancia que tienen los cocineros durante una guerra, el director destacó que “la comida es el símbolo que identifica a cada país”:
Además de este documental, Kereks ha estrenado 66 seasons, otro film que promete dar de qué hablar.
El próximo 14 de mayo se estrenará en las salas de cine de todo el mundo la nueva versión del legendario personaje del bosque de Sherwood, personificado esta vez por el actor neozelandés Russell Crowe y dirigida por Ridley Scott. De esta forma la dupla Crowe-Scott retorna al cine épico y de alto contenido visual luego del éxito de Gladiador, en el año 2000.
En principio este nuevo Robin Hood iba a tener una vuelta de tuerca respecto de la ya conocida historia del bandido que le roba a los ricos para darle a los pobres. La idea de los guionistas Ethan Reiff y Cyrus Voris, y del productor Brian Grazer (El Código da Vinci), era cambiar el enfoque clasico, convirtiendo al sheriff en el personaje bueno y a Robin Hood en un bandolero que aterroriza a los habitantes de la comarca. En linea con esto el titulo de la pelicula iba a ser Nottingham, Russell Crowe personificaria al sheriff y el papel de Robin recaería en Christian Bale (Batman, el caballero de la noche).
Sin embargo este proyecto no prosperó y se retornò a la idea de una versión más cercana al cuento original. Se modificó el nombre Nottingham por el de Robin Hood y se completó el reparto. Para el papel de Lady Marian los productores se inclinaron por Cate Blanchett (La reina Victoria, 2008), mientras que Mark Strong seria el elegido para encarnar a Sir Guy de Gisbourne; completan el reparto Vanessa Redgrave (The gathering storm, 2002), Scott Grimes, Kevin Durand, Alan Doyle, Oscar Isaacs (Ágora, 2009), Lea Seydoux, William Hurt, Max von Sidow y Danny Huston (John Adams, 2008).
En cuanto al argumento propiamente dicho, se podrá ver a un héroe que vuelve de las Cruzadas para encontrarse que el trono de Inglaterra le ha sido usurpado a Ricardo Corazón de León por su hermano Juan, que gobierna de forma tiránica con el apoyo del sheriff de Nottingham. Por esta razón Robin se replegará en el bosque de Sherwood para encabezar una rebelión.
Robin Hood se presume como uno de los tanques del año; una atractiva película de aventuras, con un fuerte contenido visual, que pretenderá seguir la línea de Gladiador y Cruzada en cuanto a su tinte épico.
“La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo” Jean Luc Goddard
Bajo la premisa de que todos podemos aprender a hacer cine, la fundación de Arte y Cultura Itinerante, con apoyo del Ministerio de Desarrollo Social, acaba de abrir un taller de realización de cine documental de acceso público y gratuito. Una propuesta ideal para todos los que estén interesados en descubrir que hay detrás del maravilloso mundo del séptimo arte.
Con plena consciencia de que la teoría es necesaria pero si no es llevada a la práctica no es asimilada, los organizadores proponen que durante el curso los alumnos apliquen los conocimientos adquiridos en la clase aprendiendo a manejar los equipos que ellos mismos proveen. Así las cosas, la idea final es que cada uno sea capaz de llevar a cabo su propia realización, con todo lo que ésta conlleva. “Los alumnos desarrollarán un proyecto documental de manera íntegra, que irá desde la elaboración del proyecto y la confección del plan de rodaje hasta el registro y la edición audiovisual”, prometen en las invitaciones.
En una cultura eminentemente visual como la que vivimos, en la que las imágenes (el cine, Internet, la televisión) cumplen un papel preponderante en la comunicación, resulta útil y necesario incorporar herramientas como ésta, acaso para contar una historia de vida, los hechos que están sucediendo,o simplemente para transmitir un mensaje de una manera diferente a la de la mera enunciación.
¿Dónde y cuándo?
Las clases están a cargo de tres docentes egresados de la carrera de cine; el director Andrew Sala, quien acaba de estrenar el film Cinco, que se está proyectando actualmente en el Bafici, Sebastián Muro y Sol Tipiunik. Y se dictan en dos horarios y sedes distintas: los martes a las 19:30 y sábados a las 15:00 en el predio del ex CCDTyE "El Olimpo" (Ramón L. Falcón 4250, esquina Olivera, en Av. Rivadavia al 8800), o los miércoles 18:30 y los sábados a las 11 hs en la Biblioteca Nacional (Agüero 2502).
El curso es gratuito, pero las vacantes son limitadas (admiten hasta 8 alumnos por curso) por lo que hay que inscribirse cuanto antes. La recomendación ya está hecha, el que quiera anotarse tiene que llamar cuanto antes al 4809 0394- 153-147-4373 o mandar un correo a cinedocumental2010@gmail.com
Todo director de cine ha intentado a lo largo de su carrera expresar sus ideas de la manera que más se asemejara a la realidad y, qué mejor recurso para éste fin, que el de sumar a la proyección una tercera dimensión. Ya desde los inicios de la industria cinematográfica se sabía que el 3D sería un éxito asegurado.
SU ORIGEN
Avatar, Alicia en el país de las maravillas y Los fantasmas de Scrooge son el sueño hecho realidad de los primeros cineastas. Lo mismo ocurrió con Freddy Kruger 6, que con los anteojos de cartón con lentes rojos y azules intentó revolucionar en vano al mundo cinematográfico. Aunque suene extraño, la proyección en 3D se estrenó en 1915 en el Teatro Astor de New York, en el que se presentaron tres cortometrajes. Desde entonces, este tipo de cine ha ido avanzando en etapas hasta llegar a lo que hoy podemos ver en las principales pantallas del país.
HOY
Los resultados económicos confirmaron las especulaciones y las películas en tercera dimensión se han convertido en las más cotizadas, vistas y recomendadas. Incluso este fenómeno ha logrado resucitar a dos monstruos del cine: Toy Story, la primera cinta con efectos de animación creada por Pixar Animation Studios y Walt Disney Pictures (1995) y Titanic(1997), el revolucionario film de James Cameron que ganó 11 Oscar y que se convirtió en la película más taquillera hasta aquel entonces.
En un mundo donde los avances tecnológicos progresan a pasos agigantados ningún grande del cine puede darse el lujo de quedarse atrás: seguramente haya sido por eso que pocos meses antes del estreno, el director de Furia de Titanes(remake del film original de 1981) se decidió a convertir su película a 3D una vez que ya la había terminado. El mismo camino seguiría Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte I y II.
Una de las atracciones que sigue sumando adeptos en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires es la proyección de películas en el pasaje Carlos Gardel, en el barrio del Abasto. Además de ser una actividad gratuita los filmes que se presentan formaron parte de la programación del festival en 2009.
El sábado pudimos disfrutar de Nuevos Cortos Argentinos 1, una excelente compilación de seis, valga la redundancia, cortos de jóvenes compatriotas, de Acné, del uruguayo Federico Veriroj, un simpático relato sobre la iniciación sexual de Rafael, un adolescente de Montevideo, que pertenece a la comunidad judía de esa ciudad. La película retrata con mucho humor los avatares de este chico, las pretensiones de los típicos padres de clase media acomodada (entre ellas que su hijo haga el viaje a Israel!) encima de todo: tiene que luchar contra el acné!
El domingo pasaron Nuevos Cortos Argentinos 2, otro buen compendio de cortometrajes, y Último verano de la Boyita, de Julia Solomonoff, una historia de verano, en la que se revela accidentalmente un secreto, y ese suceso hace que todo cambie para siempre.
Para ir solo/a o acompañado/a, con mate y bizcochitos o gaseosa y sanguchitos, con chicles, caramelos o chupetines o el tradicional maní con chocolate, pero para ir. Vale la pena. ¡Y es gratis! Esperemos que el clima siga acompañando esta movida.
Para el próximo finde nos espera:
Sábado 17 de abril
15:00 Nuevos Cortos Argentinos 3 (varios directores) 17:00 Tape, de Richard Linklater 19:00 Femme Rock Doc, de Denise Elphick
Domingo 18 de abril
15:00 Nuevos Cortos Argentinos 4 (varios directores) 17:00 Velódromo, de Alberto Fuguet 19:00 Buen día, día, de Sergio Constantino y Eduardo Pinto.
El film de Campanella se quedó con la preciada estatuilla dorada, dejando rezagados al film peruano La teta asustada, de Claudia Llosa, La cinta blanca, del austríaco Michael Haneke (que ya había obtenido el premio en la última entrega de los Globos de Oro), Un profeta, de Jacques Audiard, y la israelí Ajami, de Scandar Copti y Yaron Shani.
¿Porqué el jurado internacional habrá decidido elegir a ésta y no a las demás? ¿Cuál fue el secreto ingrediente que posibilitó a su director desfilar con la cabeza en alto por la prestigiosa alfombra roja? Quiero arriesgar una hipótesis, de lo que considero repercutió de manera determinante a la hora de clasificarla como "la mejor película extranjera".
Más allá de las memorables actuaciones de los protagonistas y de la historia que se cuenta (que forma parte de nuestra historia) , El secreto de sus ojos es, por sobre todo, una película efectista, que impacta a través de la fotografía. La posibilidad de poner en escena imágenes como recuerdos que aparecen y desaparecen, que se superponen, es un envidiable recurso del cine que sirve para ir y venir en el tiempo sin dificultades, y que el director, con su ingenio, supo aprovechar.
De esta manera, ya desde el comienzo, recibimos el primer impacto: vemos el cadáver de una chica, desgarrada, con la cara destrozada, tumbada en el piso. E inmediatamente damos cuenta que no estamos ante el tipo de film de drama sentimental que parecería sugerir su nombre, sino ante un género policial.
El segundo golpe de efecto es aún más preciso: se trata de una foto en blanco y negro, donde aparece un joven. La imagen se congela por unos segundos en un primer plano de sus ojos: enfermizos, enigmáticos, huidizos. Lo observamos, sospechamos, todos. Ahí está el guiño al título.
El tercero es con un plano detalle que nos dirige a una imagen en televisión donde vemos al sospechoso de la foto de antes, custodiando a Isabel Perón. Ahí se revela la época precisa de la que se está hablando y se descubre que el caso singular del crimen del principio no es todo lo que Campanella quiere contar, sino que esa es sólo la punta del iceberg de un intrincado aparato que funciona por debajo.
El secreto de sus ojos es una película ambiciosa pero eficaz. Revisitar la violenta época de los 70 sin ser una película histórica sino más bien una ficción novelada es una apuesta difícil, pero desde los recursos audiovisuales que utiliza Campanella, hasta los actores que selecciona para representarla, Darín, Rago, Villamil y un irreconocible Francella, despojado de su fiel bigote, son eficaces y están a la altura de las circunstancias.
Está a punto de comenzar el 12º Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) que cada año recibe a un público mayor dispuesto a disfrutar de un cine diferente. Durante poco más de una semana miles de personas permanecerán horas frente a las pantallas de las 13 sedes distribuidas en la Ciudad de Buenos Aires elegidas especialmente para el evento.
El festival se realizará del 7 al 18 de abril y se presentarán 422 películas, entre cortos y largometrajes, de las que 86 son de producción nacional. Como todos los años, la agenda cinematográfica es de lo más amplia y variada por lo que es importante saber elegir entre las mejores opciones. Por apreciación puramente subjetiva recomiendo ver Mary and Max; Police, Adjective; Yuki and Nina, Un lugar llamado los Pereyra y Zona Sur. Lo ideal es buscar los trailers en la web y elegir en base al criterio y gusto propio.
Muchas de las películas nacionales que se presentarán en esta edición del BAFICI estarán cargadas de contenido político y social como es el caso del largometraje elegido como apertura del festival, Secuestro y muerte del director argentino Rafael Filippelli, que relata a través de una mirada propia el asesinato del ex presidente Pedro Eugenio Aramburu.
Desde hace varios años el cine independiente se ha ido popularizando y ha conseguido hacerse un lugar entre la agenda de un selecto público joven. Uno de los elementos impulsores de este fenómeno es, sin dudas, el BAFICI. Es una lástima que de los miles y miles de espectadores del festival, solo unos pocos se interesen por el cine no tradicional durante el resto del año.
El desafío de iniciar un nuevo blog dedicado al cine nos pone ante una serie de preguntas que muchas veces nos hemos hecho, pero que pocas veces nos hemos respondido: ¿Exíste la crítica de cine o la figura del crítico?; si es así, ¿Cuales son los avales del llamado crítico de cine para situarse en ese lugar de autoridad que le permite establecer una sentencia?; Por último, ¿Debemos ver las películas socialmente aceptadas o con buena crítica, o ser nosotros mismos los que construyamos nuestro propio buen cine?
El Gran Pez no será un blog crítico desde un lugar generalizador. Intentará, por otro lado, expresar las opiniones de sus participantes teniendo en cuenta un amplio abanico de cuestiones que no se pueden dejar de lado al momento de tocar un tema determinado, como los gustos particulares.
Quedará en cada lector elegir qué opinión tener en cuenta o con cuál sentirse identificado, sabiendo que los que escribiremos en El Gran Pez no sólo disfrutamos de diferentes tipos de películas sino que, en sí, somos personas distintas, un hecho que se reflejará en las opiniones que volcaremos en el blog.
El resto será un alocado viaje del que esperamos puedan formar parte, generando un intercambio que pueda hacer dinamizar este espacio que hoy inauguramos.
...el letrero de Hollywood no fue puesto por ningún cienasta o por impulso de la industria cinematográfica de Estados Unidos sino por una empresa de bienes raices que tenía la intención de vender ese terreno?
